Лекционный материал «Живописная грамотность: символика цвета и техника письма»
Данный модуль описывает приемы и техники письма в живописи с применением различных изобразительных средств, роль рисунка в живописи и применение цветовых комбинаций для передачи реалистичных изображений с учетом форм, объемов и эстетического визуального восприятия произведения.
Просмотр содержимого документа
«Лекционный материал «Живописная грамотность: символика цвета и техника письма»»
Модуль 4. «Живописная грамотность: символика цвета и техника письма»
Тема 1. Живопись, как вид изобразительного искусства. Виды и жанры.
Тема 2. Рисунок в живописи. Значение и символика цвета.
Тема 3. Техники письма в живописи. Палитра.
Тема 4. Натюрморт в живописи: цвет и техника гризайль.
Данный модуль описывает приемы и техники письма в живописи с применением различных изобразительных средств, роль рисунка в живописи и применение цветовых комбинаций для передачи реалистичных изображений с учетом форм, объемов и эстетического визуального восприятия произведения.
Тема 1. Живопись, как вид изобразительного искусства. Виды и жанры.
Живопись-это распространенный вид изобразительного искусства. В отличии от карандашного рисунка, живопись создается красками, нанесенными на какую-либо поверхность (бумагу, холст). Живопись отражает художественно-образное выражение мира. В живописи используется рисунок, цвет, светотени, выразительность мазков, фактура и композиция.
По своим видам живопись бывает:
Монументальная живопись. Это фреска и мозаика. Оба названия происходят от итальянского значения: фреска от fresco-свежий, мозаика от mosaique-посвященная музам. Фреска-это живописная техника красками, разведенными водой и выполненной по свежей сырой штукатурке. Мозаика-изображение, выполненное из однородных или различных по составу материала частиц камня, смальты, керамической плитки, закрепляющиеся в слое грунта (извести или цемента). Фреска и мозаика долговечны и стойки по цвету. Основное их применение-это украшение архитектурных фрагментов (стенная роспись, панно и т.п.).
Станковая живопись. Картина, имеющая много жанров: натюрморт, бытовой, исторический, батальный, пейзаж, портрет. Станковая живопись не привязана к плоскости стены, к примеру. Художественные идеи станковой живописи не меняются в зависимости от их расположения.
Декорационная живопись. К этому виду относятся эскизы театральных и кинодекораций, костюмы, миниатюры и иконопись.
Высокое мастерство древнерусской живописи XV в. выражено в шедевре Андрея Рублева-иконе «Троица» (приложение № 1) Икона содержит глубокий поэтический и философский смысл. Тона изображения сливаются в согласованную гамму, а само изображение, вписанное в круг, подчиняет себе все линии контуров.
Живопись имеет особый художественный язык, с помощью которого художник передает замысел и чувства, отражающие действительность. Характеризуясь техническим совершенством, живопись не может являться художественным произведением, если не вызывает эмоций у зрителя, сопереживания и т.п. Миропонимание и эстетическая позиция художника выражается в том, что подчеркивает главное и характерное обобщая детали, т.е. не просто точно передает изображение, а передает именно художественный образ.
Натюрморт-это самостоятельный жанр живописи. Художник выражает в натюрморте стороны жизни, нравы, вкусы и т.п., отражая это через материальную сущность предметов. Свое отношение к действительности, чувства, мысли, художник может выразить через отбор объектов натюрморта. К примеру: цветы, которые отражают красоту мира, эстетическое отношения художника и т.п. (приложение № 1)
Бытовой жанр-наиболее распространенный вид станковой картины. Темы бытового жанра-это жизнь и повседневные ее проявления. Жанр занял ведущие позиции в XIX в., когда наиболее распространено было изображение простых жизненных ситуаций. Бытовых, с изображением людей, их чувств, жизни. (приложение № 1)
Исторический жанр-живопись, изображающая исторические действия, прошлое Родины. Художники обращались к образам войны, воителей, к мужеству и стойкости народа, прошедшему суровые испытания (приложение № 1)
Батальный жанр-разновидность исторического жанра (приложение № 1)
Пейзаж-важное дополнение к бытовым, батальным, историческим картинам, а также, как и самостоятельный живописный жанр. Образы природы, рождающие у людей настроение, переживание, раздумья. К примеру: различные состояния моря, времена года, погода и т.п. (приложение № 1)
Портрет-образ, изображаемый какого-либо человека и людей. Человек может жить сейчас, или в прошлом. Важный факт в портрете — это то, что должно быть сходство с изображаемым (с оригиналом). Портрет может быть выполнен не в полный рост, подгрудное, поясное, групповой). Раскрытие духовной сущности изображаемого особенно важно в портрете (приложение № 1).
Изобразительная грамота подразумевает не только навыки конструкции предметов, но и правила и законы живописного изображения натуры, объемных, материальных и пространственных качествах, цветовой гармонии, колорите.
Тема 2. Рисунок в живописи. Значение и символика цвета.
На рисунке основываются способы, приемы и средства построения на плоскости живописных форм. Сами по себе краски, без рисунка, не передают свойства предметов, их пропорций, объемы, пространство и т.д. Рисунок-это начало и основа обучения живописи. Для передачи объема и материальности предметов в рисунке необходимо владеть законами светотени и тоновыми передачами рисунка, чувством пропорций и перспективы. Без этих знаний невозможно передать характеристики цветом, т.е. цветовые мазки самостоятельно не выражают закономерность цветового построения реалистической формы. У учащихся на начальных этапах живописи не всегда проявляется правильное расположение предметов на плоскости (на листе) за счет недооценки ими рисунка в живописи. Знание рисунка помогает передать пластическую форму. Работа над натурной постановкой невозможна лишь с линейным абрисом (контуром) предметов и их последующей раскраской. Художнику требуется постоянно рисовать, уточняя пропорции и форму предметов в процессе работы над цветовыми и тональными отношениями в рисунке.
Все предметы изначально имеют свой собственный цвет. К примеру: лимоны-желтые, огурец-зеленый, помидор-красный, баклажан-фиолетовый и т.д. При ярком освещении цвет любого предмета хорошо виден. Но он может измениться с переменой освещения, а иногда и вовсе стать невидимым, к примеру, в полной темноте. Учение о цвете и принципы его применения в живописи имеют тесную связь. Искусство отражает жизнь человека и окружающее его среду, природу. Природа объединяет различные цвета, но не может открыть художнику законы цветовой гармонии и колорита. Живопись-это изобразительное искусство, эстетически отражающее действительность. На развитие живописи, в том числе и цвета, оказали импрессионисты. Они отслеживали и улавливали малейшие цветовые изменения, открыли новое проявление повседневности во всем богатстве красок, гармонию и колористические качества цвета. К примеру: Клод Моне (1) в картине «Стога» (приложение № 2) показал изменения цвета предметов в зависимости от освещения. Импрессионисты первыми научились «ловить» свет и применять это свойство в своих работах в живописи. Учащийся должен знать и понимать, что на окраску предмета большое влияние оказывают многие факторы: освещение, рефлексы, цветовая перспектива. Для успеха и достижения реалистичности и гармонии в живописи, художнику надо научиться видеть цвет в условиях конкретного освещения и при взаимодействии (соседстве) с другими предметами. Т.е. на восприятие цвета воздействуют прямые лучи света, попадающие на открытые поверхности; свет от рядом находящихся предметов (т.е. рефлексы от них); природный цвет самого предмета; человеческий глаз, воспринимающий оттенки и нюансы цвета. Свойства цвета можно разделить на две группы: «собственные»-цветовой тон, светлота, насыщенность (т.е. объективные качества) и «несобственные»-следствие эмоциональных реакций, т.е.: «теплые», «холодные», «глухие», «выступающие», «отступающие» и т.п. У художников есть характеристики «несобственных» качеств. К примеру: «звонкие»-ярко-красные, «легкие»-светлые тона, «тяжелые»-темные тона. «Выступающие» и « отступающие» обусловлены ощущением пространства глубины. При размещении рядом двух предметов синего и красного цвета, то синий покажется « отступающим», т.к. напоминает дальние предметы. Цвет эмоционально-воздействует на зрительное восприятие. К примеру: Винсент Ван Гог (2) сознательно использовал этот прием в своей картине «Ночное кафе» (приложение № 2). Сталкивая контрасты нежно-розового с кроваво-красным и винно-красным, нежно-зеленого с желто-зеленым и сине-зеленым, пытался создать атмосферу демонической мощи места, в котором можно сойти с ума или совершить преступление, как писал сам автор (Ван Гог. Письма 1966г.)
Человек получает различного рода настроение, воспринимая цвет предмета. Это может быть: радость, печаль, страх, уныние, легкость и т.п. Через образное воздействие цвет способен вызывать в человеке определенные мысли и чувства. К примеру: красный цвет-возбуждает, зеленый-успокаивает, черный-угнетает.
В разные периоды истории мирового искусства символика цвета играла особенную роль в идейно-художественном содержании произведений. При этом единой системы, закрепляющей какую-либо символику за цветом, не было. В разные периоды по-разному воспринимался и ассоциировался цвет. К примеру: в средние века красный считался цветом красоты и радости и одновременно цветом злости и стыда. В религиозной символике: белый цвет символизирует чистоту и непорочность, зеленый-надежду на бессмертие души, голубой-печаль, красный-кровь святого. В народных сказаниях: зеленый-символ надежды, молодость; красный-цвет крови, огня, любовь; белый-невинность, свет, чистоту; черный-траур, т.к. ассоциируется с мраком и тьмой. На Руси красный цвет символизировал красоту и все, что связывалось с понятием «красивый» , называли красным. Наряд невесты на Руси –белый, как символ веры и чистоты. На Востоке белый- цвет траура.
В современном искусстве символические цвета (условные обозначения) используются в оформлении гербов, флагов, эмблем и т.п.
Все цвета делятся на две группы: ахроматические –бесцветные, т.е. белый, серый и черный, отличающиеся друг от друга по светлоте. Остальные цвета называются-хроматическими. Ахроматические цвета не имеют цветового тона, хроматические цвета различаются степенью цветности.
Спектральные цвета. Естественная шкала цветовых тонов-спектр солнечного света. В нем цвета расположены в следующей последовательности: красный, оранжево-красный, оранжевый, оранжево-желтый, желтый, зеленовато-желтый, желтовато-зеленый, зеленый, голубовато-зеленый, голубой, синий, фиолетовый.
Под светлотой понимается наличие в цвете какого-либо количества черного или белого пигмента. Если к хроматическому цвету добавить ахроматический разной светлоты, то изменяется и его насыщенность, и светлота. К примеру: прибавив белый цвет к синему или красному, уменьшается насыщенность и увеличивается светлота. Таким образом получается большое множество светлых тоном, которые называются пастельными.
Тема 3. Техники письма в живописи. Палитра.
При обучении письму в живописи, учащемуся необходимо знать все сопутствующие материалы для этого, инструменты, техники и технологии.
В живописи используется разнообразные материалы, зависящие от техники и технологии: акварель, гуашь, темпера, масло, пастель и т.д. «Звучание» цвета в живописном рисунке зависит от манеры письма и от свойства материала (пигмента и связующего красочный материал вещества) и основы для рисунка (холста, картона, бумаги с особенностями фактуры).
Различаются корпусные (плотные, пастозные), кроющие (непрозрачные), фактурные (рельефные), полупросвечивающие и прозрачные (лессировочные) виды письма. Их отличия в толщине красочного слоя и разном поглощении лучей, попадающих на красочный слой света.
В корпусном (пастозном) письме цвет бумаги (или грунта), практически, не оказывает влияния на цвет нанесенных красок.
Полупросвечивающий красочный слой отражает часть проходящих лучей через его поверхность.
Прозрачное письмо (лессировка)-проникновение света глубоко в цветной слой краски. Здесь важно основание красочного слоя. Эффект последовательного наложения прозрачных слоев разноцветных красок влияет на цвет поверхности. Цвет в лессировке зависит от прозрачности слоев наносимых красок и от общей толщины слоя краски (плотный слой-большее поглощение цвета, увеличивает насыщенность получаемого или воспринимаемого цвета).
Акварель-краска, разводимая водой.
Гуашь-краска, состоящая из тонко растертых пигментов с водно-клеевым связующим и примесью белил.
Темпера-живопись красками, чье связующее вещество эмульсия из воды и яичного желтка, разведенного на воде растительного или животного клея, смешанного с маслом. Цвет в живописи темперой стоек к внешним воздействиям и долго сохраняют первоначальную свежесть.
Масляная живопись-вид письма масляными красками, готовящимися при растирании неорганических пигментов в отбеленном льняном масле, иногда с добавлением орехового или подсолнечного. Основа для письма масляными красками-холст, картон, дерево, металл, покрытые специальным грунтом (в станковой живописи) или известковой штукатуркой (в монументальной живописи). Масляная живопись отличается особой выразительностью и динамикой. Эта техника позволяет достичь зрительной иллюзии объема и пространства в рисунке, а также богатых цветовых эффектов и глубины тона. Живопись выполняется мазками, которые могут быть: кроющими (непрозрачными), лессировочными (прозрачными), корпусными (плотными), фактурными (рельефными), тонкими, гладкими и пр.
Все краски разделяются на устойчивые и неустойчивые. Дольше других не разрушаются от времени гуашь, эмаль. При неправильном хранении теряет цвет (обесцвечивается) акварель, темнеют масляные краски. Необходимо учитывать свойства материалов и техники письма, чтобы уберечь живопись от вредного воздействия (света, влаги, температуры, испарений и т.п.)
Палитру можно рассматривать как широту творческого диапазона художника, колорите красок в живописном рисунке. В реальности, палитра –это форма (предмет, плоскость), на которой смешиваются краски во время работы художника. Материал для палитры подбирается с учетом специфики краски. К примеру: акварель не рекомендуется смешивать на бумаге, т.к. она размокает и клей попадает в краску с комочками бумаги, от чего живопись загрязняется. Для акварели хороша пластмассовая белая основа палитры.
Для масляной живописи краски смешивают на деревянной поверхности. Для начала необходимо выдавить масляные краски из тюбиков на палитру. После работы палитру необходимо очистить мастихином, пока краска не засохла, а потом протереть промасленной тряпочкой и так после каждого сеанса письма. Палитра-это важная часть работы художника. На палитре смешиваются тона, получая новые цветовые смеси, которые добавляют колорит и богатство цвета в живописный рисунок.
В качестве технических упражнений по теме цвета и работе с красками, с учащимися поможно использовать технику ровной заливки плоскости, к примеру, тремя основными цветами: красным, желтым, синим.
Тема 4. Натюрморт в живописи: цвет и техника гризайль.
На начальном этапе обучению живописному рисунку, учащийся изображает в цвете предметы без фона и предметы, привязанные к фону. Опыт изображения предметов по отдельности, позволяет перейти к изображению предметов, собранных в натурную постановку. Для усвоения живописной грамоты именно натюрморт является особо ценным объектом изображения. Работа с натюрмортом-это умение реалистично, правдиво изобразить с натуры форму и цвет предметов. В натюрморте тесно связаны рисунок и живопись. Для учащегося натюрморт-лучшая школа, т.к. он (учащийся) в изображении натюрморта постигает законы цветовой гармонии, пластику форм, технические приемы, творческое отношение к натуре.
Процесс тонального изображения предметов может происходить в техниках: гризайль или цветной. Для учащихся полезно начинать работу с натюрмортом именно с техники гризайль, чтобы научиться выявлять тональные отношения в рисунке. Гризайль-это вид изображения черно-белой или одноцветной краской (синей, коричневой). Отработка этих упражнений в технике гризайль помогает учащемуся более уверенно выражать форму предметов или группы предметов (приложение № 3). В живописи, рисуя кистью, важно освоить технику передачи формы с помощью лепки, основанной на светотеневой передаче объема. Гризайль (от французского gris-серый)-тональное изображение натюрморта. В построении натюрморта в технике гризайль последовательность подготовительных рисунков такая же, как и в цветном: композиционная группировка, построение формы. Важно тональное светотеневое изображение предметов. Один предметы-темные, другие-светлые, на одних предметах собственные тени-плотные («тяжелые»), на других-светлые ( «легкие»). Важно передать пропорции светлотных соотношений предметов в отношении друг к другу и к фону.
Последовательность работы над натюрмортом гризайлью:
Лист бумаги смачивается чистой водой. Подготовим черную (или коричневую) краску, разведя ее до консистенции, необходимой при учете изменения насыщенности при высыхании. Прокладка тоном начинается с самого темного предмета и глубокой тени на его линии светораздела. На всех предметах необходимо показать тени с помощью прозрачного раствора красок. При этом рефлексы закрываем и плавно переводим полутень в тень с помощью отжатой кисти. Освещенные поверхности предметов не стоит перекрывать пока тоном. Фон заливается прозрачным слоем краски, без учета складок (в драпировке). В результате: получаем основные светотеневые отношения между теневыми и освещенными частями предметов после предварительной тоновой прокладки. Далее конкретнее выделяем силу тона предметов (каждого). Для этого сопоставляем тени, полутона и светлые места предметов, их собственные и падающие тени. После переходим к детальной проработке светотени каждого предмете и к объемам. Прорисываем светлые места, сравнивая их между собой, не забывая про фон. Мазки краски ложатся по форме поверхности предмета. Теневые поверхности усиливаются многослойным письмом способом лессировки. Стоит учитывать, что каждый предмет имеет свой, отличный от других тон. Поэтому важно добиваться правильных градаций светотени, сравнивая отношения между предметами. Надо учитывать движениеи света на плоскости и предметах. Чем ближе к источнику света предмет, тем ярче и активнее на нем светотеневые контрасты. Предметы на переднем плане постановки-более четкие, по мере удаления-менее заметны. В последнюю очередь переходим от деталей к обобщению. Предметы (или вся группа) должны быть приведены в целое, единое.
При работе с цветным натюрмортом в живописи , также, как и везде начало –это эскиз, набросок. Его стоит выпонить в цвете. Определяем контрасты: самые светлые и самые темные места, которые воспринимаются теплыми или холодными. Не маловажную роль играет правильный выбор точки зрения, т.к. это поможет увидеть характерные особенности колристики натюрморта в целом. Бумагу, также, смачивают водой. Первоначально письмо начинаем со светлых мест, закрашивая освещенные поверхности и блики, используя тонкий слой прозрачных красок. При работе с тенями необходимо помнить, что свет теплый-тень холодная, свет холодный-тени теплее. Основные цветовые отношения находятся с помощью сравнения освещенных и теневых частей предметов. Далее-цвет и тон драпировок фона. Прописывая всю картинную плоскость, нам легче и шире увидеть натюрморт без деталей, видя цветовые отношения и передать градации света и тени форм предметов. Все предметы натюрморта пишутся одновременно, сравнивая по светлоте, цвету и насыщенности. При работе с объемом, надо постоянно переводить взгляд с листа на натуру и с одного предмета на другой, и на всю группу предметов, чтобы оценить их цветовое состояние, наличие на поверхности теплых и холодных цветов. Цвет предметов сравнивается друг с другом и с фоном. (приложение № 3)
(1) Клод Моне 1840-1926г. Французский живописец, один из основателей импрессионизма.
(2) Винсент Ван Гог 1853-1890г. Нидерландский художник постимпрессионист, чьи работы оказали вневременное влияние на живопись 20 века. За десять с небольшим лет он создал более 2100 произведений, включая около 860 картин маслом.
1. Кухта М.С. История искусств, 2010
2. Алексеев П.К., Короткова А.Л., Трофимов В.А., Основы изобразительной грамоты. –СПб: НИУ ИТМО, 2011. – 70 с.
3. Землякова Г. М. Живописные этюды и наброски как средство формирования художественных и педагогических способностей студентов художественно-графического факультета педагогического института.
4. Ажгихин С. Г. Формирование живописных умений и навыков у студентов в процессе теоретического и практического изучения иехнологии и техники масляной живописи
5. Заболотняя Н. П. Формирование творческих способностей студентов на занятиях живописью в ВУЗе
6. Евтых С.Ш. Живопись натюрморта: Методические указания к практическим занятиям. – Оренбург: ГОУ ОГУ, 2003. – 18 с.
Источник